A morte do músico de classe média
(thewalrus.ca)- O surgimento das plataformas de streaming e o colapso do mercado de mídia física tornaram difícil para músicos de classe média manter o próprio sustento
- Os músicos tentaram gerar renda de várias formas, como contratos com gravadoras, turnês, trabalho freelance e subsídios do governo, mas sofreram com instabilidade e baixa rentabilidade
- Apenas as grandes gravadoras e os serviços de streaming ficam com a maior parte da receita, enquanto a maioria dos músicos ganha menos de alguns milhares de dólares por ano
- Fatores externos, como aumento dos custos de turnê, inflação e geração de música por IA, agravaram ainda mais a situação, acelerando o estresse mental e o desaparecimento dos músicos de classe média
- Como soluções, discutem-se a reavaliação do valor liderada pelos artistas, investimento contínuo do governo e a introdução de novos modelos de receita
O surgimento e o desaparecimento do músico de classe média
Rollie Pemberton começou a atuar como rapper na adolescência e divulgou seu trabalho pela internet. Depois, passou a usar o nome artístico Cadence Weapon e construiu uma carreira dupla como crítico e músico em veículos de música como a Pitchfork.
Em 2006, assinou um contrato 360 com a Upper Class Recordings, o que lhe deu oportunidades de crescimento como artista, como lançar álbuns e fazer turnês. No entanto, devido à injustiça na estrutura de divisão da receita dos artistas, a gravadora ficava com a maior parte do dinheiro, e ele mal conseguia se sustentar. De 2006 a 2015, gerou mais de 250 mil dólares em receita para a gravadora, mas, fora um adiantamento equivalente a 10 mil dólares, quase não teve renda real.
A estrutura das gravadoras e a ascensão do streaming
No fim do século XX, o boom dos CDs e a venda de mídias físicas permitiam uma vida de classe média alta para músicos, mas a transição para a era do compartilhamento de arquivos com Napster e do streaming mudou radicalmente a estrutura da indústria. Grandes gravadoras como Sony, Universal e Warner controlam 70% do mercado e obtêm lucros enormes com seus catálogos de conteúdo e participações no Spotify.
Por outro lado, a divisão de receita nas plataformas de streaming tornou-se extremamente baixa: mesmo com mais de um milhão de reproduções no Spotify, a receita gerada pode ficar abaixo de alguns milhares de dólares. As grandes gravadoras, com exceção de alguns poucos artistas superestrelas, não oferecem apoio contínuo à maioria dos músicos iniciantes e de meio de carreira.
O streaming e a realidade dos artistas independentes
A chegada dos serviços de streaming trouxe a vantagem da democratização da produção e da distribuição musical. Qualquer pessoa pode subir suas músicas diretamente e ampliar sua base de fãs pelas redes sociais, mas, com dezenas de milhares de faixas novas sendo cadastradas todos os dias, a concorrência se intensificou de forma excessiva. A maioria dos músicos se vê numa realidade em que é difícil obter até mesmo uma renda de subsistência.
Segundo Jennifer Brown, da SOCAN, entre outros, os artistas querem menos riqueza e fama do que a possibilidade de sustentar a família e ter um sustento digno e respeitado, e sentem enorme frustração ao receber algo em torno de 600 dólares por um milhão de streams.
A piora do mercado de shows e a realidade das turnês
Depois da COVID-19, até o número de casas de show que sobreviveram diminuiu, e os custos de turnê também dispararam por causa da inflação, dos prêmios de seguro e do aumento nas taxas de visto. As turnês deixaram de ser uma fonte de renda e passaram a ter uma estrutura que muitas vezes gera prejuízo.
Por exemplo, o Tokyo Police Club teve dificuldade para manter a mesma rentabilidade sustentável de antes em sua turnê final por causa da pandemia, do aumento da concorrência, da alta do custo de vida e da forte elevação das taxas de visto dos EUA.
A crise de saúde mental dos músicos
Insegurança financeira, baixa estabilidade profissional, trabalho excessivo e a frustração pela falta de resultados provocam em muitos músicos uma crise mental, com ansiedade, depressão e ideação suicida. Segundo a pesquisa “Soundcheck”, da Revelios, 86% enfrentaram problemas de saúde mental e 94% sentiam instabilidade constante.
Os limites dos subsídios e do capital privado
Os músicos recebem apoio direto por vários caminhos, como subsídios do governo, patrocínio corporativo, fundos beneficentes e eventos privados. No entanto, cortes no orçamento público e os limites do capital privado impedem que isso ofereça estabilidade suficiente. Para uma solução real, são necessários investimento governamental contínuo e novos modelos de receita.
O valor da música e os problemas estruturais
Embora a música seja um bem cultural socialmente essencial, ela perdeu valor monetário com a digitalização e o streaming. O público espera que a música esteja disponível de graça, a qualquer hora e em qualquer lugar, mas isso leva a uma irracionalidade estrutural diretamente ligada à sobrevivência de quem a produz.
A recriação de valor liderada pelos artistas
O músico Torquil Campbell compartilha exemplos de como vem redefinindo o valor de sua música por meio de venda direta e criação de músicas sob medida. Ele destaca a importância de canais independentes de receita, como vender MP3s diretamente, ampliar a comunicação direta com os fãs e até deixar plataformas como o Bandcamp. Ainda assim, esse modelo também tem limitações até que se conquiste uma base de fãs suficiente.
A necessidade de mudanças institucionais
Casos de contratos de artistas influentes como Taylor Swift e a exigência de padrões éticos por parte de agentes do setor apontam para a possibilidade de solidariedade entre artistas e ação coletiva. Também se argumenta que as plataformas de streaming deveriam mudar para um modelo em que a mensalidade de cada assinante fosse distribuída aos artistas que ele realmente ouve.
Pessoas do setor ligadas à SOCAN, à Six Shooter e a outras organizações enfatizam a importância de ampliar o investimento público em arte e construir infraestrutura, mas destacam que a solução decisiva passa por um reconhecimento social renovado do valor da música e por uma transformação estrutural.
Conclusão e perspectivas futuras
O sistema atual, centrado nas grandes gravadoras e nas plataformas de streaming, ameaça a sobrevivência dos músicos de classe média e espalha efeitos colaterais por toda a sociedade. Para uma solução de fundo, são indispensáveis a resistência criativa dos próprios artistas, a ação coletiva e a redefinição de valor, além de consciência social e respaldo em políticas públicas. A campanha #MyMerch de Rollie Pemberton, pequenos shows centrados em músicos independentes e o planejamento autônomo de carreira são discutidos como alternativas.
Assim como a musicista Lido Pimienta, muitos desejam apenas uma vida simples, e este é um momento para alertar para o impacto social mais amplo do desaparecimento dos artistas de classe média. Para a preservação da música e da arte, destaca-se a necessidade de participação dos fãs, apoio social e esforços voltados à recriação do valor dos artistas.
1 comentários
Opiniões do Hacker News
Compartilha a experiência de ter ouvido com mais frequência do que qualquer outra resposta a ideia de que “o governo deveria implementar uma renda básica universal”. Se essa ideia for descartada apenas como “irrealista”, nunca vamos resolver o problema fundamental que temos, ou seja, a desigualdade econômica generalizada. A realidade é que cada vez mais pessoas estão perdendo até mesmo oportunidades de trabalho que permitam viver com dignidade. Há a crença de que soluções amplas, como renda básica, imposto sobre grandes fortunas e divisão de grandes empresas, são muito melhores do que ajustes finos em cada setor
Concorda que são necessárias soluções amplas e estruturais, como renda básica, imposto sobre grandes fortunas e divisão de grandes empresas, mas aponta que a renda básica já foi testada várias vezes e mostrou poucos efeitos claros, sejam positivos ou negativos. Também não cria novos músicos. Sua simplicidade administrativa é uma vantagem, por reduzir custos. O imposto sobre grandes fortunas pode forçar a venda de ativos e gerar inflação, o que acabaria reduzindo o número de músicos. Na prática, acha que deveríamos copiar sistemas que funcionam em países específicos. O Japão é citado como exemplo de país com muitos músicos por causa do baixo custo de vida, de um setor educacional maduro e de uma estrutura salarial relativamente baixa. Em especial, a realidade é que muitas mulheres japonesas têm opções limitadas de trabalho, então estrear como idol também é algo comum
Sou amador, mas atuo em alto nível em várias atividades como esporte, música e artes visuais, e ao mesmo tempo sou assalariado e pago muitos impostos. É preciso me convencer de por que outras pessoas deveriam ser totalmente sustentadas para desenvolver seus talentos. Acho que não se deve confundir “pessoas que realmente se esforçam e mesmo assim não conseguem se manter” com “pessoas que entram na arte puramente por paixão”. Se continuarem exigindo cada vez mais de mim, não vou mais querer contribuir. Os ultrarricos e os de alta renda já evitam sua parcela de contribuição de várias formas
Considera que a raiz do problema está nas preferências sociais e individuais. A diferença de renda entre músicos? As pessoas preferem muito mais certos músicos e certas músicas. Renda básica ou política tributária quase não têm efeito prático em reduzir a distância entre o meio e o topo no entretenimento. O mesmo vale para a escassez de moradia, que no fim vem das preferências das pessoas por espaço e localização. É preciso primeiro diagnosticar a causa fundamental e abordá-la para encontrar uma solução real
Compartilha a visão de que isso não é uma falha de um setor específico, mas um problema estrutural em que todo o sistema foi desenhado para sugar valor de baixo para cima
O problema começa no fato de que as próprias regras da economia são injustas. Usa a analogia de entrar atrasado em um jogo de Monopoly depois de algumas rodadas já terem passado. O custo excessivo da moradia é outro exemplo disso. E há ainda outra fonte de desigualdade: pessoas que ganham muito dinheiro trabalhando duro usam esse dinheiro, de forma consciente ou inconsciente, como “arma” para impor suas escolhas sobre a vida dos outros. Há a convicção de que admitir que o sistema está quebrado é o ponto de partida
Compartilha a experiência de ter convivido com engenheiros de alta renda formados em áreas técnicas e também de ter tocado em banda. Gostava tanto de música que chegou a considerar seguir em tempo integral, mas mesmo recebendo cachês de quatro dígitos, quando se calcula por hora o valor acaba ficando abaixo do salário mínimo. Com contratação de empresário, custos de viagem e outros gastos, a renda líquida cai ainda mais. Durante a semana quase não há shows, então é impossível se sustentar. Se houvesse mais restaurantes e outros espaços na região com música ao vivo todos os dias da semana, os músicos poderiam trabalhar também nos dias úteis e viver disso em tempo integral, mas ainda falta essa infraestrutura. Sem conseguir preencher a agenda da semana com apresentações, músicos talentosos acabam inevitavelmente indo para outro caminho
Mesmo tocando todos os dias da semana na Broadway de Nashville, o salário mensal é miserável em relação ao esforço. Fica limitado a certos gêneros e a uma vida desgastante de várias apresentações por dia. Para sobreviver como músico, é preciso acumular várias ocupações paralelas, como banda de igreja, banda de casamento, músico de sessão, aulas, técnico de instrumentos e outras, e mais da metade disso depende puramente de sorte. É uma realidade realmente dura, mas muito concreta
Percebe uma mudança recente: desde a pandemia, houve um aumento considerável de shows noturnos em dias úteis. Isso se intensificou durante a recuperação e ainda não desapareceu, então vê isso como uma mudança positiva
Chegou à conclusão de que “o mundo não valoriza a música o suficiente”. No fim, a maioria dos músicos parece fazer música como uma espécie de “brincadeira” para si mesma. Para transformar isso em profissão, é preciso aceitar grandes sacrifícios. O mundo atual não atribui valor suficiente à criatividade. Gostaria de mudar essa situação, mas a realidade parece deprimente
Explica o caso de Rollie Pemberton apresentado no artigo e a estrutura dos contratos 360 das gravadoras. Como a renda de Pemberton vinha principalmente de prêmios e subsídios, e não de turnês ou discos, o contrato acabou gerando um caso incomum em que a Upper Class Records capturou um lucro anormal. Isso não se aplica à maioria dos músicos. Na verdade, com artistas de nível intermediário, as gravadoras muitas vezes saem no prejuízo. Em grande parte da mídia, das startups e da indústria farmacêutica, acontece algo semelhante: os “superstars” e um número minúsculo de casos de sucesso determinam toda a receita. Na estrutura de receita, “quem sustenta o todo são os vencedores, não os perdedores”. Até contratos medianos muitas vezes funcionam como loss leader, numa estrutura focada em poucos bem-sucedidos para tentar obter oportunidades melhores. Recomenda a coluna relacionada de David Lowery
Menciona a teoria da economia dos superstars (Rosen, Sherwin. "The Economics of Superstars"). A ideia é que diferenças muito pequenas entre indivíduos podem gerar disparidades enormes de renda. A estrutura de baixos salários para artistas decorre do “excesso de oferta” de gente talentosa disposta a sacrificar a própria vida e do “fortalecimento da escassez lucrativa” por meio de promoção e marketing. Nesse contexto, é natural que as gravadoras fiquem com uma fatia maior. A renda do artista só cresce de forma dramática quando ele atinge um certo patamar de sucesso
Por outro lado, enfatiza que é fácil ignorar o quanto a maioria das bandas e artistas fracassa, e quanto dinheiro e esforço isso consome no processo. Também aponta que as gravadoras dominam a indústria de forma opaca, usando poder de mercado e capital para práticas como
payolae outras formas de promoção por trás dos panos. Mais transparência ajudaria a melhorar o sistema, mas essa própria “opacidade” também é condição para que o sistema atual continue existindo. Se as pessoas soubessem que, mesmo dando certo, no fim não sobra tanto lucro assim, a maioria provavelmente não aceitaria correr esse risco. Como não existe fórmula de sucesso, a realidade do setor no fim só pode ser explicada como um “lançamento de moeda enviesado”Há quem ache uma pena que o artigo trate principalmente de rappers, e não de orquestras ou músicos de sessão. Na prática, desde o surgimento da música gravada, os consumidores passaram a escolher gravações dos músicos de elite em vez de músicos medianos. Por isso, tornou-se realmente muito difícil ser um “músico de classe média” com alguma fama local. No fim, viver de mercado local, nichos ou apresentações de rua talvez não seja uma saída ruim
A maioria dos músicos hoje seria “classe média”, coexistindo com poucos superstars e muitos artistas pobres. Há relatos de cachês pequenos, entre $20 e $100, e da experiência exaustiva de ganhar $200 após 8 horas de preparação mesmo em palco grande. Antes, músicos eram essenciais em todo tipo de evento, mas agora a música pode simplesmente ser substituída por reprodução no celular, numa constatação amarga
Acha que bandas que tocam em casas pequenas, para 100 a 200 pessoas, sobem ao palco puramente por paixão. Talvez por isso essas bandas pareçam mais interessantes. Como sabe que a renda de shows caiu, procura apoiá-las comprando merch e outras coisas. Dá para aproveitar como uma “experiência impressionante por um preço baixo”, sem peso caso o show não seja memorável. Como a Noruega não tem tantas grandes casas de espetáculo, vê essa cultura de forma ainda mais positiva
Menciona que John Philip Sousa percebeu com precisão os efeitos negativos da música gravada
Mesmo que se diga que a música open source, ou seja, a arte de rua, morreu de um dia para o outro, enfatiza que a renda obtida com apresentações de rua pode ser melhor do que a de projetos open source usados por dezenas de milhares de pessoas
Opina que tocar música em alto-falante e assistir a uma apresentação ao vivo são experiências totalmente diferentes
Critica a tendência de os músicos terem origens cada vez mais ricas. Sem apoio financeiro, há um risco enorme em tentar seguir na arte. Existe a percepção de que a era dos músicos da classe trabalhadora ou de baixa renda está chegando ao fim
No Reino Unido, compartilha-se o exemplo de que o antigo seguro-desemprego, na chamada golden age of the dole, deu tempo e oportunidade para artistas de classe baixa e média florescerem. Artigo relacionado
Aponta que no passado o mesmo acontecia na ciência: sem patrocínio dos ricos ou dinheiro da família, era difícil fazer pesquisa
Diz-se que todas as indústrias criativas funcionam de forma parecida, favorecendo quem vem de berço de ouro. Moda de luxo, gravadoras, artes visuais, literatura: para chegar ao topo, é preciso bancar estágios caros e a vida em grandes cidades. Hoje em dia, até o número de seguidores em redes sociais virou critério de corte
Há a percepção de que a profissão de músico é muito parecida com a de ator. Networking, dinheiro e laços familiares são os fatores mais importantes. Cita exemplos como “se os pais são atores, colocam como condição a escalação dos filhos”, ou casos em que pais ricos financiam um filme com a exigência de que o filho participe do elenco, como Nicolas Cage e Jeff Bridges. Entre os ricos do setor de tecnologia, acontece a mesma lógica. Seja ator ou músico, o que conta é capital e conexões
O mesmo fenômeno se repete em esportes como o basquete. Filhos que passam por camps mais caros e por redes de contato melhores saem na frente e conseguem as melhores oportunidades. A realidade em que o “efeito berço de ouro” chegou até o esporte, como no caso de Bronny James, filho de LeBron James, gera frustração. Nem o esporte parece mais oferecer “igualdade de oportunidades”
Levanta-se a questão de qual seria o “número adequado” de músicos que precisam alcançar independência econômica. O streaming reduziu esse número, mas reconhece-se que a própria música gravada já tinha encolhido o mercado. Surge então a pergunta essencial: talvez a música deva voltar a ser vista não como profissão, mas como arte de hobby? Assim como ninguém vive de pintar paisagens, talvez o lugar da música sempre tenha sido outro
Se alguém cria por amor, mas não encontra uma forma de monetizar, o tempo dedicado a essa arte inevitavelmente fica limitado. Como resultado, talvez nem as melhores obras nem as melhores experiências criativas consigam surgir. Imagine se áreas profissionais como engenharia também fossem reduzidas a um “hobby”, com a sobrevivência tão difícil quanto na música. As consequências práticas, a diferença no trabalho de campo e a lentidão da inovação tecnológica seriam graves
Destaca-se que a música e as artes se desenvolvem com o equilíbrio entre profissionais em tempo integral e amadores. Há coisas que só músicos profissionais conseguem fazer, como orquestras ou ensino especializado, e os amadores sustentam a cena profissional com música original e experimental, com o mercado de shows e com instrumentos. A maior parte do mundo musical só funciona de verdade quando existem os dois lados, profissional e amador
Por outro lado, também é preciso perguntar, em setores novos como streaming ou a economia dos youtubers, se “isso precisa mesmo ser uma profissão”. Há ceticismo sobre se a estrutura industrial, o fortalecimento da propriedade intelectual e regulações mais rígidas realmente elevaram a qualidade da arte, ou se apenas aumentaram o custo de oportunidade
Do ponto de vista do consumidor de música, a pergunta importante é: “quanta diversidade musical queremos?”. Se o número de músicos profissionais cair, o resultado será menos variedade de produtos e serviços no mercado
O streaming é apenas uma fase da estrutura da indústria; na verdade, desde os avanços tecnológicos da gravação e da radiodifusão, o efeito de winner-takes-all se intensificou muito mais, e a maioria dos artistas passou a ter dificuldade para sobreviver. Com a IA, prevê-se que voltemos a uma estrutura centrada em patronos e mecenas, como há séculos. No passado, artistas também não ficavam ricos, mas ao menos tinham garantido o tempo necessário para se dedicar à criação
Chama a atenção o fato de que, desde a pandemia, o custo de quase todas as atividades subiu muito. O colapso da cadeia de suprimentos, incluindo o incidente do Ever Given no Canal de Suez, é citado como uma das causas combinadas. Levanta-se a dúvida de por que, mesmo depois do fim da pandemia e da normalização da cadeia de suprimentos, os preços não voltaram ao normal, e se haveria uma explicação mais profunda além da simples ganância corporativa
O fato de os preços não caírem facilmente pode ser um padrão geral da inflação, mas também se propõe a hipótese de que a pandemia mudou completamente vários hábitos de consumo e estilos de vida. Tecnologias que pareciam banais, como trabalho remoto, streaming e pedidos por delivery, se popularizaram durante a pandemia e fizeram com que a estrutura de mercado não pudesse mais voltar ao que era antes da covid
Explica-se também que a inflação alta atual não se dissipa com facilidade porque os governos de vários países expandiram excessivamente a oferta monetária durante a pandemia
A queda drástica da barreira de entrada também virou outro problema. Antes, era preciso desenvolver habilidade e conseguir um contrato com gravadora, mas agora basta baixar um programa como Logic, produzir música com automação e correção e subir direto para um serviço de streaming. Por isso, há a ironia de que músicos realmente talentosos, como MonoNeon, acabam tendo mais poder de atração de público
Um profissional que trabalhava como produtor musical e mudou de carreira para ciência de dados há 5 anos relata que, para dar certo na indústria musical, mesmo tendo habilidade e networking, no fim a sorte é absolutamente crucial. E a janela dessa “sorte” ficou ainda mais estreita ultimamente