A line art geométrica de Wacław Szpakowski (2017)
(theparisreview.org)- Wacław Szpakowski formalizou ao longo da vida os esboços que começou por volta de 1900, aos 17 anos, desenvolvendo-os em desenhos abstratos geométricos labirínticos compostos por uma única linha contínua
- Embora tenham partido de experimentos improvisados que exigiam apenas papel e lápis, as obras finalizadas têm uniformidade precisa e alta complexidade, tornando o próprio modo de produção um ponto central da apreciação
- As obras só foram apresentadas ao público em 1978, cinco anos após sua morte, e Grounding Vision: Waclaw Szpakowski, na Miguel Abreu Gallery, em Nova York, é a maior exposição de Szpakowski já realizada nos EUA
- A exposição coloca 26 desenhos e cadernos originais ao lado de trabalhos de artistas contemporâneos, contrastando questões de repetição, sistema e deslocamento da linha com obras feitas quase um século depois
- Para Szpakowski, esse trabalho não era decoração, mas uma ideia linear a ser lida com os olhos; a exposição o insere nas discussões sobre arte abstrata, conceitual e outsider
Um projeto de vida inteira ligado por uma única linha
- Wacław Szpakowski escreveu 「Rhythmical Lines」 aos 85 anos, organizando o trabalho que desenvolveu ao longo de toda a vida
- O projeto é uma série de desenhos abstratos geométricos labirínticos, cada um composto por uma única linha contínua
- Ele começou esses desenhos por volta de 1900, aos 17 anos, e foi gradualmente formalizando e reunindo os esboços iniciais, tornando-os mais complexos
- 「Rhythmical Lines」 foi escrito em terceira pessoa e revela sua insegurança quanto à legitimidade artística do próprio trabalho
- Para Szpakowski, esses desenhos não eram produto de um laboratório, mas experimentos com linhas retas realizados espontaneamente em diversos lugares e momentos fortuitos; as únicas ferramentas necessárias eram papel e lápis
Entre improviso e precisão no modo de produção
- A semente das ideias veio de cadernos informais, mas os desenhos finalizados exibem um alto grau de técnica, distante do improviso ou do acaso
- As obras combinam traço uniforme, acabamento limpo e alta complexidade
- Algumas marcas de apagamento são quase as únicas pistas que permitem inferir o processo de produção
- Em um desenho, duas linhas aparecem dos dois lados da linha final mais grossa
- Isso sugere a possibilidade de Szpakowski ter percorrido o caminho de cada desenho três vezes
Apresentação em 1978 e exposição em Nova York
- As obras de Szpakowski só foram apresentadas ao público em 1978, cinco anos após sua morte
- Desde então, apareceram em várias exposições, mas foram mostradas principalmente em sua Polônia natal; continuam pouco conhecidas e suscetíveis a mal-entendidos
- Grounding Vision: Waclaw Szpakowski, na Miguel Abreu Gallery, em Nova York, é a maior exposição do trabalho de Szpakowski já realizada nos EUA
- A mostra reúne 26 desenhos de Szpakowski e seus cadernos originais ao lado de obras de artistas contemporâneos
- Organizada em colaboração pelas curadoras Masha Chlenova e Anya Komar, a exposição adota uma forma experimental em que respostas, críticas e contrapontos circulam através de um intervalo de quase um século
Szpakowski como arquiteto, engenheiro e violinista
- Szpakowski dificilmente pode ser visto apenas como uma figura provinciana; depois de estudar arquitetura, trabalhou como engenheiro
- Ele tocava violino e, mais tarde, passou a considerar que seus desenhos poderiam ser usados como partituras musicais
- Seus cadernos reúnem observações arquitetônicas, diagramas de fenômenos naturais e anotações apaixonadas, parecendo uma versão do século XX dos cadernos de Leonardo da Vinci
- Entre os objetos de observação havia fenômenos naturais como correntes marítimas e folhas de pinheiro
- Ele manteve essa atividade intelectual mesmo durante as duas guerras mundiais
- Na Segunda Guerra Mundial, foi membro ativo do Home Army
- Por causa disso, foi preso, e seu filho morreu
- Em 「Rhythmical Lines」, ele escreveu que o fato de ter preservado seus esboços em meio à destruição e às dificuldades das duas guerras mundiais mostrava o quanto valorizava suas ideias lineares
Não decoração, mas uma linha a ser lida
- Para espectadores do século XXI, os desenhos precisos de Szpakowski podem inicialmente parecer suspeitos, como se fossem gerados por computador; ao descobrir que foram feitos à mão, pode-se acabar dando atenção excessiva à técnica de produção
- Em vida, Szpakowski questionou a forma como seus desenhos eram consumidos de relance, como decoração
- Ele também se afastava de interpretações que os reduziam a referências como o meandro da Grécia antiga ou padrões têxteis
- Para ele, a obra não era simples ornamento, mas uma ideia linear
- Ele considerava que “um único olhar não é suficiente”
- Era preciso seguir a linha da esquerda para a direita para acessar seu conteúdo interno
- Esse processo se assemelha à leitura
Justaposição com artistas contemporâneos
- A exposição agrupa os motivos de acordo com o próprio sistema de numeração de Szpakowski e distribui trabalhos de 7 artistas contemporâneos pelos espaços da galeria
- Florian Pumhösl já conhecia Szpakowski e, para esta mostra, produziu cinco obras em gesso que respondem diretamente aos seus desenhos
- Essas obras parecem maquetes vistas do alto e evocam a formação arquitetônica de Szpakowski
- Elas estudam em três dimensões as entradas e saídas dos desenhos de Szpakowski, transformando-as em rampas de acesso e saída que levam a um platô
- Ao entrar na linha, destacam-se a sensação de velocidade e as curvas bruscas, como se estivéssemos em uma via de mão única sem canteiro central nem área de descanso
- O filme de três minutos de Guy de Cointet mostra uma linha que se move lentamente sobre formas abstratas espessas
- Depois de ler o título Untitled (7), entende-se que a cena mostra o ponteiro dos segundos atravessando lentamente o número 7 em um relógio cortado e girado
- A instalação de Hanne Darboven marca as datas de um ano de uma maneira singular
- O trabalho de Sam Lewitt parece formalmente próximo ao de Szpakowski, mas referencia e funciona como um modelo ampliado de um sistema de aquecimento usado em tecnologias de comunicação
- Os dois artistas demonstram interesse pela eficiência de formas que podem estar relacionadas a forças invisíveis
- O trabalho de Lewitt assume a distância crítica típica da produção contemporânea, fazendo a invenção de Szpakowski parecer uma ingenuidade antiga
De objeto de curiosidade a campo de discussão
- Algumas justaposições enfatizam o intervalo entre a época de Szpakowski e o presente
- Ainda assim, seu projeto mantém tensão e continuidade
- Esta exposição tira Szpakowski do domínio da simples curiosidade e o leva para o campo da discussão
- Masha Chlenova aponta a “nerdice definitiva” como um dos elementos que produzem ressonância no trabalho de Szpakowski, destacando sua insistência em ter descoberto, de modo muito isolado, algo em que ninguém havia pensado
- Esse isolamento não é ingenuidade em sentido negativo, mas uma sensação de liberdade, que pode ser importante para que um artista crie
1 comentários
Opiniões do Hacker News
Gosto muito desse tipo de arte geométrica. Eu também crio obras digitais geométricas centradas em ladrilhamentos complexos em https://andrewwulf.com
Não é para vender, é só para mostrar. Geometria e matemática podem ser bem atraentes para as pessoas, mas hoje em dia parecem não ter tanta popularidade comercial fora dos NFTs. Repetição e variação podem ser ferramentas poderosas na arte, e Wacław merece ser mais conhecido
Queria destacar algumas, mas eu ficava olhando uma por bastante tempo e, quando via uma obra nova, pela novidade ela sempre parecia melhor, então eu também acabava andando em círculos
Também me lembrou o design gráfico da "May Contain Hackers 2022". Gostei muito, e havia também uma ferramenta que gerava designs parecidos: https://mch2022.org/#/ https://mch2022.org/design/
Também me vieram à mente as obras de Bernard Cohen que vi na Tate Modern. Para mim, elas pareciam uma conquista em um nível acima de simplesmente apertar o botão de “padrão geométrico bonito”, fazendo sentir até a ordem e a desordem de uma inteligência humana em funcionamento
Não encontrei uma página reunindo exatamente as obras em que estou pensando, mas há links úteis para referência:
https://www.flowersgallery.com/exhibitions/387-bernard-cohen...
https://www.artnet.com/artists/bernard-cohen/
Este provavelmente é mais abrangente:
https://duckduckgo.com/?q=bernard+cohen+works&iax=images&ia=...
https://omarrr.com/isolation-pixel-series
Também não são para venda
É uma forma de criar obras usando cada valor RGB exatamente uma vez
Exemplo: https://allrgb.com/
Graças a este artigo e a um comentário que mencionou sistemas de funções iteradas, há uma conexão interessante entre dois poloneses dentro deste tema: Wacław Sierpiński, o do triângulo de Sierpiński [1], e "Wacław Szpakowski". Pela época, eles podem até ter se conhecido
Outra coisa interessante nesse tipo de conexão é procurar materiais que mencionem os dois juntos no mesmo meio, como uma página da web ou um artigo. Foi assim que acabei encontrando um livro muito promissor de Axel Rohlfs, "Art, algorithm and ambiguity. Aesthetic ambiguity with regard to metacognition based on visual semiotics, visual rhetoric and Gestalt Psychology" [2]
Esse método às vezes funciona em outras áreas também. Se um pesquisador conhece alguns fatos, nomes ou entidades pouco conhecidos de uma área, normalmente é provável que seja bastante competente nessa área, ou pelo menos alguém que dedicou tempo suficiente a ela
[1] https://en.wikipedia.org/wiki/Wac%C5%82aw_Sierpi%C5%84ski
[2] https://archiv.ub.uni-heidelberg.de/artdok/8576/1/Rohlfs_Art...
Se você gosta desse tipo de coisa, vale a pena pesquisar todo o movimento chamado op art [1]. Há artistas como Bridget Riley, em especial.
Vi uma grande exposição da Riley na Tate em 2003, e foi realmente excelente. Na parede que você encontrava logo ao entrar havia uma obra enorme e única, feita especialmente para aquela exposição. Em uma parede de um branco muito vivo, círculos pretos de 3/4 estavam dispostos em uma grade bastante espaçada, e as aberturas de cada círculo pareciam girar conforme você olhava de um lado a outro da parede e de cima para baixo.
Embora fosse uma obra puramente estática, em preto e branco, era uma ilusão de ótica muito peculiar que fazia o cérebro alucinar cor e movimento. Eu conhecia um pouco do trabalho de Bridget Riley, porque ela é uma das artistas visuais que se estudam ao estudar música do século 20, mas não esperava que a ilusão funcionasse tão bem em uma escala tão grande.
[1] https://en.wikipedia.org/wiki/Op_art
O que mais gostei foram os murais coloridos posteriores, como Rajastan (2012). O fato de serem pintados diretamente na parede da galeria levanta questões interessantes em termos de direitos autorais e propriedade de obras de arte.
Imagino que a equipe dela tenha que repintá-los em cada lugar onde são exibidos e também supervisionar o processo de destruição. Dá até para imaginar uma falha de teletransporte de Star Trek acontecendo e alguém dizendo: “Ih, agora temos dois Rajastan (2012)”.
Sempre achei interessante também que ela não gostou do resultado daquela obra 3D e voltou a trabalhar em telas planas pelo resto da carreira. Ainda assim, eu também achei aquela obra impressionante.
Link para um bom documentário sobre Riley para quem tem acesso à BBC: https://www.bbc.co.uk/iplayer/episode/m0011psx/bridget-riley...
Legal. Isso me lembrou O rosto de Cristo, de Claude Mellan, de 1649. Também usa uma única linha contínua, mas ele a gravou à mão em aço.
https://www.gallery.ca/magazine/your-collection/a-familiar-f...
Essas obras me lembram https://en.m.wikipedia.org/wiki/Space-filling_curve
Sempre fui fascinado pela curva de Hilbert.
Parece uma mina de ouro de exercícios em Logo cujo objetivo é escrever o programa mais curto para uma determinada imagem. Daria até para classificar tudo por complexidade de Kolmogorov.
Quando vi pela primeira vez, pensei em uma antena de PCB. Fico curioso para saber quais seriam suas características de radiofrequência se alguém a usasse de verdade, só por diversão.
Realmente impressionante. É preciso levar em conta o ano em que essas obras foram criadas e o espírito da época.
Naqueles tempos, para conceber algo assim, era necessário outro tipo de pensamento. É um trabalho bonito e bem executado. É por isso que os artistas são importantes. Eles são os quebra-gelos, e o resto vem atrás.
Eu estava em NYC na época em que esta exposição estava sendo preparada, e um amigo mencionou este texto e disse que eu deveria ir vê-la.
Acho que nunca senti uma conexão tão forte com uma exposição de galeria quanto senti com as obras de Wacław. Havia algo no fato de obras tão elaboradas serem feitas com uma única linha. Foi um momento fortuito que não vou esquecer tão cedo.
Na era pré-digital, descoberta e distribuição eram falhas, então criadores talentosos ficavam soterrados. No futuro digital, descoberta e distribuição continuarão falhas, então criadores talentosos também ficarão soterrados.
Resmungos à parte, esta é uma joia bastante rara que veio à tona aqui.
Fico imaginando se há, nos desenhos de linha única, algo correspondente às tilings aperiódicas.
https://www.felixflicker.com/research